Institut Valencià de la Musica

Domingo, 16 | mayo de 2010 | 19.00 h
Valencia | Teatro Talía
ACTUAL

II SEMINARIO PERMANENTE DE COMPOSICIÓN

Grup Instrumental de València

José María Sáez-Ferríz,flauta
Jesús Fuster, oboe
José Cerveró, clarinete
Salva Sanchis, fagot
Juanjo Llimerá, trompa
Vicent Campos, trompeta
Salvador Tarrasó, trombón
Pedro Castaño, tuba
Manuel Gasent, percusión
Lluís Marzal, percusión
Carlos Apellániz, piano
Luisa Domingo, arpa
Mª Carmen Antequera, violín
Vicent Taroncher, violín
Francisco Llopis, viola
Manuel Santapau, violonchelo
Paco Catalá, contrabajo

José María Sánchez-Verdú, director

Programa
I
Germán Alonso (Madrid, 1984)
Die schöne Kunst der Geräusche
II. Misery Likes Company* (2010) 8'
para ensemble y electrónica

José Miguel Fayos (Valencia, 1980)
Del azul infinito* (2010) 10'

Josep Planells (Valencia, 1988)
Nocturnes* (2010) 7'

I Éblouissement. Lucente, sensuale
II Wandrers Nachtlied. Velato
III La Noche Oscura. Energicamente immobile, etereo
IV Edi Beo Thu, Hevene Quene. Fluido
V Sombra, trémula sombra de las voces. Vaporoso, come volatilizzandosi

Alberto Carretero Aguado (Sevilla, 1985)
Nocturno de Luna* (2010) 8'

II
Enrique Busto (Cádiz, 1974)
Numen* (2010) 8'

Fran Cabeza de Vaca (Las Palmas de Gran Canaria, 1976)
Underground* (2010) 8'
para ensemble y pista electrónica

Gabriel Santander (Túnez, 1978)
Farben Skizzen (2010) 4'
para ensemble

Manuel Rodríguez Valenzuela (Valencia, 1980)
Fang* (2010) 8'
para ensemble

*Todas las obras, compuestas dentro del II Seminario Permanente de Composición, son estrenos absolutos

Precio del concierto: 10 €
Reducción del 50% si se acredita, a estudiantes, jubilados y pensionistas

LOS INTÉRPRETES
Grup Instrumental de València
Ver concierto día 11 de mayo

José María Sánchez-Verdú
Ver clase-encuentro día 14 de mayo

LOS COMPOSITORES
Germán Alonso
Nace en la Madrid en 1984. Realiza la carrera de Composición en el Conservatorio Superior de esa ciudad, pero se forma (y sigue formándose) como compositor en diferentes cursos y encuentros en los que recibe consejos de José María Sánchez-Verdú, Aureliano Cattaneo, Alberto C. Bernal, José Manuel López López, Javier Álvarez o Yan Maresz, entre otros. Paralelamente a su formación académico-sinfónica, realiza incursiones en el mundo del rock, de las cuales su música se nutre abundantemente.

José Miguel Fayos Jordán
Nacido en Chella (Valencia) en 1980, Fayos estudia en los conservatorios de su localidad natal, Carlet, Xàtiva y el Joaquín Rodrigo de Valencia, donde obtiene el título de profesor superior de Composición con el premio extraordinario fin de carrera. Entre sus maestros destacan: Ramón Ramos, Gregorio Jiménez, Enrique Sanz-Burguete, César Cano y Francisco Tamarit.
Ha ganado galardones de composición, entre ellos: el primer premio en el II Concurso Internacional Ciudad de Torrevieja, el premio de edición del concurso Hui, Hui Música (2006) -donde se estrenaron diversas obras suyas en 2004, 2006 y 2008- y el primer premio en el I Concurso Iberoamericano de Composición para Banda Villa de Ortigueira, entre otros.
Sus obras han sido interpretadas y estrenadas en festivales y auditorios como Ensems, el Palau de la Música de Valencia, la SGAE-Valencia, el Club Diario Levante, etc., por formaciones como el Ensemble Art´s XXI, el Grup Instrumental de València o la Orchestre d´Harmonie (Conservatorio de Estrasburgo). En 2007 fue estrenada su obra Cantos desde el olvido, un encargo-homenaje al Premio Cervantes A. Gamoneda sobre textos del poeta.
Ha perfeccionado sus estudios de Violonchelo con Pedro Corostola, Philippe Cherond, y Mijkhail Kjomitser, y de Composición con José Manuel López, José María Sánchez-Verdú, Cristóbal Halffter, Rainer Bischof, Leonardo Balada, Tomás Marco, Alfredo Aracil, Germán Gan, Jesús Rueda y Mauricio Sotelo.
Ha estudiado Dirección con José R. Pascual-Vilaplana y cursos de perfeccionamiento con Jan Cober.
Ha sido profesor de Armonía, Análisis y Fundamentos de Composición en diversos conservatorios de la Comunidad Valenciana.

Josep Planells
Nacido en València (1988), estudia actualmente tercero de grado superior de clarinete y composición en el Conservatorio Superior de Música de Valencia con José Cerveró y Emili Renard, respectivamente.
Ha asistido como alumno oyente y activo a cursos y clases magistrales de análisis y composición con Leonardo Balada (Valencia, 2005); José Manuel López-López, Cristóbal Halffter, José María Sánchez Verdú y Tomás Marco (Bierzo, 2007); Salvatore Sciarrino, Fabio Nieder y Michèle Reverdy (Acanthes, 2008, Metz), entre otros.
En marzo de 2008 estrena en la Fundació ACA de Mallorca su obra Lied, para piano solo, interpretada por Tomeu Moll. Rivera Editores publicará en breve su obra para quinteto de viento madera Suspés...

Alberto Carretero
Nace en Sevilla en 1985 y estudia Piano en el Conservatorio de Triana, donde obtiene el Premio Extraordinario, y en el Francisco Guerrero con las más altas calificaciones en el Título Profesional. El Ayuntamiento de Sevilla le concede en el año 2001 el Premio al Mejor Expediente y a la Mejor Trayectoria Académica y Personal.
Es Titulado Superior en Composición por el Conservatorio Superior de Música de Sevilla "Manuel Castillo", donde ha estudiado con Luis Ignacio Marín, J. A. Pedrosa y Antonio J. Flores, y ha recibido el Premio Extraordinario Fin de Carrera en Composición. Es Licenciado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de La Rioja. Ha trabajado en cursos de especialización con Sánchez-Verdú, Sotelo, Rueda, López López, Camarero, Posadas, Parra, Charles, Halffter, Matalón, Hurel, Saariaho, Sciarrino, etc. Recientemente ha obtenido el Primer Premio de Composición de Música Contemporánea Injuve (2009), el Premio de la Real Maestranza de Caballería de Sevilla (2008 y 2010), el Ciudad de Sevilla (2008 y 2010) y el Extraordinario Fin de Carrera de la Universidad de Sevilla (2008 y 2010).
Ha estrenado en el Auditorio Nacional de Música, el Círculo de Bellas Artes (Madrid), el Festival de Música Española de Cádiz (encargos de la Junta de Andalucía y la Cátedra Manuel de Falla), el Auditorio de Molina de Segura (Murcia), el Casino de la Exposición (Sevilla) y el Palacio de Congresos de Valladolid, entre otros. Sus obras han sido interpretadas por Alberto Rosado, Taller Sonoro, Grupo Dhamar, Grup Instrumental de València..., y grabadas por Radio Nacional de España (Radio Clásica) y Radio Círculo.
Ha colaborado con la música electroacústica del Proyecto Paso (Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla), ha sido ponente en el I Congreso de Música y Tecnologías Contemporáneas de la Universidad de Sevilla (2006) y es Ingeniero Superior en Informática por la Universidad de Sevilla con Matrícula de Honor en su proyecto fin de carrera sobre sonificación de imágenes y topología del sonido.
Durante el curso 2009-2010 ocupa la Cátedra de Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde imparte "Composición" e "Instrumentación y Orquestación".

Enrique Busto Rodríguez
Nace en San Fernando (Cádiz) en 1974. Cursa Clarinete y Composición en los Conservatorios de Cádiz, Málaga y Sevilla con los profesores Juan Carlos Armentia, José María Puyana, Ramón Roldán e Ignacio Marín. Recientemente ha terminado sus estudios de perfeccionamiento de Composición en la Robert Schumann Hochschule, en Düsseldorf (Alemania) -donde ha recibido una condecoración, bajo la tutela del compositor José María Sánchez Verdú-, así como de Dirección de orquesta con Rüdigher Böhn.
Obtiene menciones de honor en las especialidades de Clarinete y Música de cámara, y el premio de honor en Composición.
En junio del 2000 interviene en Radio Nacional de España con motivo del Día Europeo de la Música. En septiembre de 2003 obtiene un premio en el II Concurso Internacional de Composición para Bandas de Música de Comines (Bélgica), en diciembre de 2008 el primer premio de Composición Xavier Montsalvatge que convocan la Fundación Autor de la Sociedad General de Autores y Editores y el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea. En julio de 2009 recibe una distinción en el concurso Ad Libitum organizado por Musik der Jahrhunderte en Sttutgart (Alemania).
Ha seguido diversos cursos de Composición: Villafranca del Bierzo, los Internacionales Manuel de Falla de Granada, la Cátedra Manuel de Falla de Cádiz, Injuve..., con profesores como Cristóbal Halffter, Tomás Marco, José María Sánchez Verdú, José Manuel López López, David del Puerto, Manfred Trojhan, Mauricio Sotelo, Jesús Rueda, Julio Estrada y Javier Álvarez, entre otros.
Sus obras han sido estrenadas en diversas ciudades españolas, así como en Maastricht (Holanda), Stuttgart y México, por grupos como el Cuarteto Itálica, el ensemble Taller Sonoro, el Dúo Aura, el grupo Dahmar, la Orquesta de Cámara Andaluza, la Manuel de Falla de la Diputación de Cádiz, el ensemble Robert Schumann de la Musikhochschule, el Barcelona Modern Project, la Tübigen Orchestra (Stuttgart), SecuenzaSUR (México) y el ensemble NeoArs Sonora.
En la actualidad es profesor del Conservatorio Profesional de Música Manuel de Falla de Cádiz.

Francisco M. M. Cabeza de Vaca
Estudió grado superior en Composición en el Conservatorio Superior Rafael Orozco de Córdoba y en la actualidad cursa esa especialidad en el Conservatorio Superior de Música de Aragón con J. Mª Sánchez-Verdú, Agustín Charles, Héctor Parra o Nacho de Paz, además de asistir a cursos de Yves Daoust, Yan Maresz, Phillipe Hurel, Luca Francesconi, Hilda Paredes, J. M. López López, Natacha Barret, Mauricio Sotelo, César Camarero, Javier Álvarez, Cristóbal Halffter, Jesús Rueda, José Manuel Berenguer o Adolfo Núñez. Actualmente es alumno de Max-Msp en el Aula de Músicas Experimentales.
En marzo de 2010 ha estrenado El cielo bajo tierra, para doce instrumentos, bajo la dirección de Nacho de Paz en el Auditorio del CSMA de Zaragoza, y un año antes Veo una voz (para actriz y electrónica en vivo), obra producida en los estudios del LIEM-CDMC. En mayo de 2009 el CO4 (Colectivo de Composición Contemporánea de Córdoba) estrena Things as they are (quinteto y pista electroacústica). En agosto de 2008 estrena Under Poetry (violonchelo, contrabajo y electrónica) en el Festival de Orford (Canadá), bajo la dirección de Veronique Lacroix, y en mayo de ese año In the mud for love (dos violines y electrónica) en el Conservatorio Rafael Orozco de Córdoba. En 2007 el grupo Dhamar estrena su obra Dusk (flauta, clarinete y violonchelo) en el Festival Internacional Molina Actual (Murcia), en un concierto retransmitido por Radio Clásica; y en octubre estrena su obra The Blind (led by the blind) (voz sola y pista electroacústica) en el IX Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment (Córdoba). Ha sido becado por la Cátedra de Composición Manuel de Falla 2009 de la Junta de Andalucía y ha recibido el encargo de componer una obra mixta para SequenzaSur, que se ha estrenado recientemente en México. Ha compuesto música original para diversos proyectos audiovisuales y escénicos. Es miembro fundador del proyecto CO4 y colaborador habitual de diversos colectivos.

Gabriel Santander
Hijo de diplomático argentino y madre española, Gabriel Santander (Túnez, 1978) comenzó sus estudios de música en Venezuela a los seis años, los continuó en Singapur, Egipto y Argentina, y obtuvo el título profesional de guitarra en Madrid. Sus primeras composiciones, dedicadas a ese instrumento, fueron estrenadas en el IV Festival International des Cordes Pincées de Rabat, celebrado en Marruecos en 1999. Diez años después obtuvo el título superior de composición, con las más altas calificaciones, en el Conservatorio de Música de Madrid bajo la tutela del profesor Manuel Seco de Arpe. Ha ampliado sus estudios de composición con Karlheinz Stockhausen, Brian Ferneyhough y Michael Jarrell, entre otros, así como en cursos de análisis y orquestación con Yvan Nommick, Richard Toop, Samuel Adler y Ertugrul Sevsay. Ha recibido el premio Flora Prieto de composición (2010) del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid por su obra Palimpsesto de Ko-Tha I para doce instrumentos. Ha colaborado en proyectos de la Fundación Isaac Albéniz con la Escuela Superior de Música Reina Sofía y la Association Européenne des Conservatoires, Académies de Musique et Musikhochschulen desde 2001, y ha participado como compositor en los festivales Fémina (2007) y Ruidocracia (2008).

Manuel Rodríguez
Empieza sus estudios de Composición en la Escola Superior de Música de Catalunya, en Barcelona, donde recibe clases de Luis Naón y Agustín Charles. En el último año se centra en la combinación entre diferentes artes visuales y la música. Durante el verano de 2007 enseña música en pequeñas comunidades nativas del Amazonas peruano. Ese año prosigue sus estudios de Composición y Orquestación con Tapani Länsiö y Vladimir Agopov en la Academia Sibelius, en Helsinki, donde entra a formar parte del grupo de compositores Ears Open. Durante todos estos años realiza cursos y es becado para asistir a varios seminarios en diferentes ciudades españolas y europeas, donde conoce y recibe clases de muchos compositores de renombre. En 2008 recibe el premio de composición Innova Música (Andorra) por su pieza Zhâo 2. Después de acabar sus estudios en Barcelona decide continuar su carrera en Berlín, donde trabaja en la actualidad para diferentes proyectos (Grup Instrumental València, Ensems 2010, Taller Sonoro, Cátedra de Cádiz 2010), Finlandia (Helsinki Festival 2009, Avanti! Chamber Orchestra, Summer Sounds 2010), Alemania y Austria (Ensemble Nouveau, Linz, 2010).

LAS OBRAS
Misery Likes Company supone la segunda de una serie de obras en las que el autor realiza un estudio sobre las diferentes manifestaciones de la saturación en la música, entendida aquella como objeto en sí misma. Los procesos evolucionan o se congelan creando la ausencia de un sentido narrativo en su concepción tradicional, el material se presenta y se justifica por sus propias cualidades sonoras, no por cárceles sintácticas que le son ajenas.
El sonido aspira a la belleza a través de (algo así como) la poética de la deformación, die schöne Kunst der Geräusche.

Del azul infinito
Del azul infinito es una obra inspirada en el cuadro Das blaue Schwammrelief de Yves Klein. Esta composición es la culminación de la obra Tríptico del azul que forman Das Blau in relief I (El azul en relieve) para flauta, clarinete y violonchelo, De un azul ingrávido para ensemble de cinco instrumentistas y Del azul infinito para ensemble de trece instrumentistas.
La obra parte de las frecuencias del color azul como elemento primario de construcción, tanto armónico, formal, temporal, tímbrico, etc., y utiliza analogías con las teorías del color de Newton, Goethe y Ostwald.
Por otro lado, se establece el contraste de timbres mediante el uso de sonidos de aire, ruidos y diversos efectos tímbricos que se contraponen al sonido ordinario, o también mediante el uso y desarrollo de texturas diversas que ponen de manifiesto el juego de relieves y monocromía del cuadro en el que está inspirado este trabajo.
José Miguel Fayos

Nocturnes
Nocturnes, para ensemble de 15 instrumentos, aborda el concepto de noche en su sentido alegórico y sus implicaciones ascético-místicas.
A pesar de que el término noche pueda sugerir imágenes sombrías, de este símbolo genuinamente sanjuanista emana una radical luminosidad y afirmación vital. Es precisamente el amor de la noche con su perfume de búsqueda el que permite el tránsito de estadios penumbrosos a ciertas uniones con esa adivinadora luz interior.
En Nocturnes, cinco poemas de diversos autores ayudan a bosquejar un mapa donde, a través de este erotismo simbólico, se vislumbra un camino hacia este aspirar del aire donde el hilo conductor son las asociaciones momentáneas que transforman constantemente el elemento unificador.
Josep Planells

Nocturno de Luna
La Noche, y con ella la Luna, son imágenes recurrentes en artes como la Pintura, la Literatura o la Música. Por otro lado, este universo poético contrasta con las leyes físicas que rigen estos fenómenos y las fuerzas, casi mágicas, que ejercen sobre nosotros y sobre otros elementos de la Naturaleza.

En "Nocturno de Luna" se toma la idea cíclica de las fases lunares como fuerza motriz, que sirve como base arquitectónica sobre la que se construye un nuevo nocturno, impregnado de las referencias artísticas anteriormente citadas. Las escenas sonoras se suceden en relación a estas rotaciones, produciendo cambios de luminosidad mediante el registro y la densidad textural.

De manera especial, he querido rendir tributo al compositor polaco F. Chopin, gran maestro de nocturnos. He elegido el Nocturno en Si Mayor op. 62 nº1, compuesto en sus últimos años e interpretado con menor frecuencia que otros, pero que introduce originales procesos motívicos y armónicos en movimiento circular y derivación continua, sobre prototipos formales tradicionales como la forma ternaria compuesta o el estilo lírico vocal italiano con acompañamiento.

Melódicamente es más austero que otras de sus obras pianísticas, sin embargo, destaca por la belleza y equilibrio en las voces, así como el refinamiento de la textura y el timbre. He tratado de evocar estos tejidos sonoros en una orquesta de cámara sin piano, añadiendo también otros propios que derivan de los chopinianos. En definitiva, se trata de una interiorización y relectura desde una óptica actual de esta forma musical, que también ha interesado a compositores como Debussy, Schostakovich, Crumb o Sciarrino, pero no a modo de "cita", sino como tierra fértil capaz de engendrar una nueva obra.

Alberto Carretero

Numen
Esta obra está inspirada en la lectura de dos textos: por un lado el relato del Mito de la caverna de Platón y por otro, el Elogio de la sombra del japonés Junichiro Tonizaki, unidos ambos por un elemento: la sombra.
La palabra numen significa «presencia». En la antigüedad hacía referencia a la presencia divina en los cultos religiosos.
Partiendo de estas premisas, el concepto de sombra tiene un protagonismo principal, puesto que determina desde los materiales empleados, la estructura de la pieza, la disposición espacial del ensemble en el escenario, así como la asociación de diferentes combinaciones instrumentales durante toda la obra.
Dividida en cuatro secciones, la pieza discurre en un continuo flujo de materiales que crean diversas atmósferas y estratos, en los cuales el trabajo tímbrico y el uso de nuevas técnicas instrumentales hacen que el ensemble se convierta en un ente orgánico en continua evolución.
Enrique Busto

Underground
para ensemble y pista electrónica, de Francisco M. M. Cabeza de Vaca

«De lo negro sale el poema
de los pozos del alma inconfesables».
Leopoldo María Panero

«Mi abuelo había visto bien el mundo; como una cloaca, en la que se desarrollaban las formas más hermosas y complicadas, si se miraba el tiempo suficiente, si se abandonaba la vista a aquella perseverancia microscópica. La cloaca tenía dispuestas las bellezas de la naturaleza para la mirada aguda, para la mirada revolucionaria. Pero seguía siendo una cloaca. Y quien la mira mucho tiempo la mira durante decenios, se fatiga y muere y/o se precipita en ella de cabeza».
El frío: un aislamiento, Thomas Bernhard

«He conocido al enemigo de dentro y de fuera. Tengo miedo de seguir utilizando mi sangre, las quemaduras, los azotes, el agotamiento, los clavos.
Sólo conservar de mi patrimonio el silencio».
David Nebreda

Farben Skizzen para Orquesta de Cámara
Farben Skizzen (bosquejos de colores) parte del material de la tercera pieza de las Fünf Orchesterstücke Opus 16 de Arnold Schönberg, titulada Farben, y está inspirada en las últimas series del pintor impresionista Claude Monet. La actualidad de ambos autores queda reflejada en los trabajos texturales y tímbricos de las vanguardias europeas de mediados del Siglo XX, así como en las últimas piezas de Morton Feldman y otros minimalistas en el caso de Schönberg y en la recuperación de Monet por parte de los pintores del Expresionismo Americano, en estrecho contacto con aquellos.
La técnica de la obra-bosquejo de Monet, así como su análisis de la pincelada y el gesto, como se puede contemplar en su última serie sobre los Nenúfares, está aquí empleada para hacer una interpretación de la escucha, una expresión del análisis musical de Farben. En ésta pieza de Schönberg, un único complejo armónico se transfigura por medio de la instrumentación y la transposición por estratos para generar una forma. En Farben Skizzen dicha forma sufre una ulterior descomposición para potenciar sus cualidades tímbricas y gestuales en un cuadro sólo definido por el gesto y su resonancia en la memoria ecóica.

Fang
Fang forma parte de un grupo de obras en las que reflexiono sobre la capacidad de percepción y memoria a través de los procesos temporales del material sonoro. Para ello esta vez me centro en elaboración de fuertes y rudos contrastes entre los materiales y en la búsqueda de un marcado dinamismo. Esta exageración en ocasiones roza intencionadamente lo grotesco y primitivo, sugiriendo además diferentes y contrastadas emociones a través de la pieza. Esta «rudeza» está lógicamente presente en diferentes parámetros, como por ejemplo en el material motívico, que se muestra indeciso, torpe o brusco, o también en el uso de los instrumentos, que son preparados o usados de forma que pierdan la perfección sonora -en cierto modo artificial- que les ha ido otorgando la historia.