Institut Valencià de la Musica

Generalitat Valenciana

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Esdeveniment 

Títol:
Moderna/ Grup Instrumental de València Joan Cerveró, director
Quan:
02.06.2012 20.30 h
On:
Centre del Carme (Sala Refectori) - València
Categoria:
Ensems

Descripció

giv201020.30 h / Centre del Carme (Sala Refectorio)
Moderna/ Grup Instrumental de València

Joan Cerveró, director

 

Jose María Sáez, flauta
Vicent Llimerá, oboe
José Cerveró, clarinete
Emilio Ferrando, clarinete
Juan Sapiña, fagot
Juanjo Llimerá, trompa
Vicent Campos, trompeta
Salvador Tarrasó, trombón
Manuel Gasent, percusión
Carlos Apellániz, piano
Maricarmen Antequera, violín
Vicent Taroncher, violín
Miguel A. Balaguer, viola
Mayte García, violonchelo
Javier Sapiña, contrabajo
Xelo Giner, saxo


Programa
Ramón Ramos (1954-2012)
Ricercare (1986) 6'

 

Andrés Valero (1973)
Cagiana 3.33 (2002) 10'

 

José Miguel Fayos (1980)
Signum-nexus (2012) * 12'

 

Enno Poppe (1969)
Saltz (2010) + 15'

 

José Evangelista (1943)
Alap & Gat (1998) 15'

 

* Estreno absoluto. Obra encargo IVM.
+ Estreno en España


Moderna/Grup Instrumental de València
Creado en 1991, Moderna/ Grup Instrumental de València, es una formación orquestal dedicada a la interpretación de la música de los siglos XX y XXI. Su dedicación continuada y su exigencia interpretativa le han convertido en protagonista fundamental y elemento indispensable para conocer y participar de la nueva música española.
Con la concesión en 2005 del Premio Nacional de Música en la especialidad de Interpretación, aumentaron tanto su prestigio y como su compromiso con la música actual.
Está subvencionado por el INAEM y la Dirección General de Política e Industrias Culturales del Ministerio de Cultura. Es una formación concertada con el IVM (Institut Valencià de la Música), residente en el IVAM (Institut Valencià d'Art Modern) y residente permanente del Festival Ensems.

 

Joan Cerveró
Recibió su formación en los conservatorios de Valencia, Madrid, Liceo de Barcelona, Schola Cantorum de París y en la Guildhall School of Music de Londres. Amplió estudios de dirección de orquesta con A. Ros Marbá, S. Celibidache, A. Tamayo y A. Thorn, y de composición con M. Stroppa, M. Lindberg y K. Saariaho en el IRCAM de París.
Como compositor especialmente dedicado a la música escénica, ha recibido diversos galardones de la Generalitat Valenciana y la SGAE, así como y el Premio de la Crítica a la mejor composición y dirección musical. Ha colaborado con Carles Santos, Nuria Espert, Irene Papas y Nacho Duato, entre otros.
Como director de orquesta se ha presentado en Francia, Inglaterra, Alemania, México, Rusia, Argentina, Italia, Austria, Indonesia y en numerosas orquestas españolas. Es director del Festival Internacional de Música Contemporánea Ensems. Desde la temporada 1997-1998 es director titular de la Orquesta Sinfónica de Valencia. En 2004 fue nombrado director musical del Ballet de Teatres de la Generalitat Valenciana, y desde 1994 es director artístico de Moderna/Grup Instrumental de València.

 

Compositores
Ramón Ramos

Ramón Ramos (Alginet, 1954-2012) estudió en el Conservatorio de Valencia (violonchelo y piano). En 1972 se trasladó a Alemania y en 1975 ingresó en el Robert Schumann-Institut de Dusseldorf para cursar estudios de composición y live electronic con el profesor Günther Becker.
En 1980 asistió como becario al curso de Darmstadt, en el que trabajó con Brian Ferneyhoug, Gerald Grisey y Wolfgang Rhim. En 1978 y 1979 se desplazó a Witten para participar en cursos con Mauricio Kagel, György Kurtag y György Ligeti. Fue catedrático de composición en el Conservatorio de Valencia. Falleció en marzo de 2012.

 

Andrés Valero-Castells
Completa su formación en los conservatorios superiores de Valencia y Murcia, y se tituló en ocho especialidades, con cuatro menciones de honor y el Premio Extraordinario Fin de Carrera en Composición. Entre sus profesores se encuentran R. Ramos, L. Balada, E. García Asensio, E. Cifre, M. Galduf, F. Tamarit, J. Mª Vives o V. Campos. Ha asistido a numerosos cursos de perfeccionamiento y posgrado. Ha obtenido el diploma de estudios avanzados (DEA) por la Universidad Católica de Valencia. Desde 2004 ocupa una cátedra de composición en el Conservatorio Superior de Valencia.
Ha recibido importantes premios y distinciones. Sus obras se han interpretado en la mayor parte de Europa, y en EUA, Argentina, Puerto Rico, Colombia, Japón, Corea, Singapur, Hong Kong, etc. Ha recibido encargos de varias instituciones, así como de importantes conjuntos y solistas. Sus partituras están editadas en España, Francia, Suiza, y EUA. De su amplia discografía destacan los monográficos producidos por el IVM, y la WWM (Holanda). Ha sido miembro directivo de la Asociación de Compositores Sinfónicos Valencianos, y ha sido compositor residente del Festival Internacional Spanish Brass (Alzira, 2005), y de la Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana (2005-06). Ha sido el primer compositor vivo interpretado en el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia (2006).
Ha sido director principal invitado de la Banda Primitiva de Llíria, y fundador del ensemble Estudi Obert. Fue director de las bandas del CIM de Mislata, y de la SAM de Picassent. Como invitado ha dirigido entre otras formaciones, las Bandas Municipales de Madrid, Valencia, Alicante, y Santiago de Compostela, así como la banda de la FSMCV, y el Día de la Música Valenciana. Ha dirigido el estreno en España de la Sinfonía n.º 2 de Leonardo Balada, Prayer de Hardy Mertens, y Estudio per l'intonazione del mare de Salvatore Sciarrino, para doscientos diez músicos, (Ensems, 2004), así como varios estrenos absolutos, entre los que destaca la ópera Narayantán de Rafael Mira (Ensems, 2005). www.andresvalero.com

 

José Miguel Fayos
Estudia en el Conservatorio Superior de Valencia donde obtiene el título de profesor superior de composición y donde logra el Premio extraordinario. Entre sus maestros destacan R. Ramos, G. Jiménez, E. Sanz-Burguete, C. Cano, E. Calandín y F. Tamarit, entre otros. Ha ganado varios galardones de composición: primer premio del II Concurso Internacional de composición Ciudad de Torrevieja, premio de edición del concurso de Jóvenes compositores Hui, Hui Música (2006) -donde, además, han sido seleccionadas y estrenadas varias obras suyas en 2004, 2006 y 2008-, primer premio del I Concurso Iberoamericano de Composición para Banda Villa de Ortigueira, premio de composición y encargo de una obra en el III Seminario Permanente de Composición organizado por el IVM, entre otros.
Sus obras han sido interpretadas y estrenadas en festivales y auditorios como Ensems, Palau de la Música de Valencia, TAMA (Aldaia, Valencia), SGAE-Valencia, Club Diario Levante, etc. y por formaciones como Ensemble Art´s XXI, Moderna/Grup Instrumental de València y Orchestred´Harmonie (Conservatorio de Estrasburgo) y en países como Francia, Alemania, Italia, EUA, y en gran parte de Latinoamérica. En 2007 fue estrenada su obra Cantos desde el olvido, encargo-homenaje al Premio Cervantes Antonio Gamoneda sobre textos del poeta. Sus obras están editadas por Piles y Rivera Editores. Ha perfeccionado sus estudios de composición con J. M López, J. Mª Sánchez-Verdú, C. Halffter, R. Bischof, L. Balada, T. Marco, A. Aracil, G. Gan, J. Rueda, M. Sotelo y A. Posadas. Ha sido becado por IVM para realizar los seminarios de composición (2009-2011), donde fue seleccionado por los profesores J. Mª Sánchez-Verdú y A. Posadas.
En el campo de la dirección realiza estudios con José R. Pascual-Vilaplana y cursos de perfeccionamiento con Jan Cober. Ha desarrollado su labor docente como profesor de armonía, análisis, historia de la música y composición en diversos conservatorios de la Comunidad Valenciana. Ha dado conferencias e impartido clases magistrales sobre análisis y composición.

 

Enno Poppe
Enno Poppe (Sauerland, Alemania, 1969) estudió dirección y composición en la Hochschule der Künste de Berlín, con Fredich Goldmann y Gösta Neuwirth, entre otros, y posteriormente síntesis y composición algorítmica en la Universidad Técnica de Berlín, y en el ZKM Karlsruhe con Heinrich Taube.
Le han encargado obras Wittener Tagefür Neue Kammermusik, Berliner Festwochen, Ultraschall, Maerz Musik, Éclat, Musica Viva, Musikbiennale, Ensemble Intercontemporain, Ensemble Resonanz, Donaueschinger Musiktage y Salzburger Festspiele, entre otros, que han sido interpretadas en Ámsterdam, Berlín, Munich, Saarbrücken, Viena, Colonia, Barcelona, Lviv, San Petersburgo, París, Estrasburgo, Bruselas y Graz.
Han interpretado sus obras, entre otros, Junge Deutsche Philharmonie, SWR Sinfonieorchester Baden-Baden/Freiburg, Ensemble Modern, Klangforum Wien, Ensemble 2e2m, ensemble mosaik, Ensemble Contrechamps, musik Fabrik, Ensemble Intercontemporain, Collegium Novum Zürich, Arditti Quartet, Kairos-Quartett, EXAUDI; SWR Vokalensemble, Stefan Asbury, Pierre Boulez, Martyn Brabbins, Susannab Mälkki, Emilio Pomárico, Kasper de Roo, Peter Rundel o Ed Spanjaard.

 

José Evangelista
José Evangelista (Valencia, 1943) recorre un camino artístico que le ha llevado a explorar maneras de hacer música basadas exclusivamente en la melodía. Así ha desarrollado una escritura heterofónica, tanto para instrumento como para orquesta, en la que la línea melódica genera ecos de sí misma y crea una ilusión de polifonía. Su música tiene sus raíces en una visión expandida de la tradición: a sus orígenes españoles ha añadido la influencia del gamelan indonesio, la vanguardia occidental y las músicas modales.
Comenzó sus estudios musicales con Vicente Asencio en 1970 y se formó en composición con André Prévost y Bruce Mather. Desde 1979 es profesor en la Universidad de Montreal, donde creó el Grupo de Trabajo de Gamelán Balinés en 1987.
Ha sido miembro fundador de varias sociedades de conciertos y ha recibido numerosos galardones y encargos, entre otros, de Itinéraire (París), Kronos Quartet, Groupe Vocal de France, SMCQ y CBC. Sus trabajos han sido interpretados en Canadá, EUA, Europa, Asia y Australia por el Ensemble Modern (Fráncfort), el Nieuw Ensemble (Ámsterdam), Music Projects (Londres), la Orquesta Filarmónica de Radio-France, la Orquesta Sinfónica de Montreal, I Musici de Montréal, y el Nouvel Ensemble Moderne (Montreal). Entre 1993 y 1995 fue sido compositor residente de la Orquesta Sinfónica de Montreal.


Notas al programa
Ricercare

El tema ofrecido por el rey Federico II de Prusia a J. S. Bach y que sirvió al compositor para crear su Ofrenda musical constituye la base de este homenaje al músico de Eisenach.
El tema original es tratado en todas las formas contrapuntísticas, que se superponen entre sí. La rítmica se estructura según una serie numérica aplicada al mencionado tema.
Esta forma de homenaje presente en toda la historia de la música y que, al margen de la mera cita, se desarrolla, referido a Bach, en la segunda escuela de Viena, tiende al reconocimiento de este gran músico y del valor actual de las técnicas de contrapunto de las que fue maestro indiscutible.
Ramón Ramos

 

Cagiana 3.33
El objeto de esta obra es rendir homenaje a uno de los personajes más interesantes del siglo XX, en el centenario de su muerte y noventa aniversario de su nacimiento: John Cage. De hecho, más allá de la cita, parte de la pieza está elaborada con su propia música. También encontramos a Johann Sebastian Bach insólitamente relacionado con John Cage gracias a la cifra mágica 3.33, y al razonamiento que la tortuga le plantea a Aquiles en los deliciosos diálogos del GEB de D. R. Hofstadter. Tomando los sonidos B-A-C-H, y asignándoles un valor relativo a su esqueleto interválico (-1+3-1), podemos obtener el patrón C-A-G-E (-3+10-3) multiplicando cada intervalo por 3.33 y tomando el número entero más cercano. Volviendo a realizar la misma operación partiendo de C-A-G-E, obtendremos B-C-A-H (-10+33-10). Este procedimiento de aumentación interválica condiciona la estructura de la obra, así como parte del material que en ella se emplea.
Así pues distinguimos tres secciones. En la primera cohabitan, con tempos distintos, un sencillo ritmo ostinato sobre el cual se desarrolla la célula B-A-C-H, con el último pasaje del Contrapunto XIX del maravilloso Arte de la fuga, en donde Bach utiliza su propia firma sonora. Concluye esta parte una vez consumada la metamorfosis.
La segunda sección es una vidriera de ideas cagianas; ya lo es la propia sustancia de esta parte: la superposición de elementos aparentemente inconexos.
Suenan siete pequeños fragmentos pertenecientes a algunas de las obras de Cage representativas de los cuarenta (el Story y el Melody de Living Room Music, la 2.ª y 3.ª Construcción, y las Sonatas n.º 3 y 5 de Sonatas e Interludios).
Cada uno de los fragmentos tiene una duración diferente, de seis a doce compases, y aparecen siete veces separados por un espacio en silencio que cada vez es menor, hasta que al final confluyen en el mismo punto. Esta estructura nos da un complejo tejido contrapuntístico que se despliega durante casi 4'33", tiempo en el que el percusionista interpreta la controvertida obra (primera de ellas) del mismo título que su duración, aunque, en lugar de un piano, emplea un gong de paella, instrumento más que adecuado por la costumbre de los viejos maestros zen (y Cage lo era) de llamarse unos a otros viejo saco de arroz. Finalmente, y por octava vez, suenan los siete fragmentos partiendo del punto en silencio en el que habían convergido, acompañados, ahora sí, por el sonido casi «gástrico» del peculiar instrumento de percusión. Un posible atractivo de esta sección podría ser el modo en que algunos instrumentos de cuerda y viento recrean sonidos pensados para el piano cagiano (preparado).
La tercera y última sección es la más breve, y solamente tiene asignada la función de transformar C-A-G-E en B-C-A-H. Como concluyó Aquiles después de la exposición de la tortuga, es como si Bach tuviera un desorden estomacal después de pasar a través de la etapa intermedia de Cage.
Andrés Valero-Castells

 

Signum-nexus
Signum-nexus parte de la semiótica para la creación del discurso. El elemento inicial es el signo desde su significado lingüístico como imagen acústica de un concepto, cuya extrapolación musical nos conduce a un elemento generador de material en múltiples variantes. El material generado por estos signos se encadena entre sí dando lugar a nuevos elementos y nuevos materiales en un fluir constante de principio a fin. El encadenamiento lo encontramos también en la semiología dentro del concepto de campos semánticos. Del mismo modo en que las palabras se relacionan mediante campos semánticos con elementos y significados relacionados por medio de rasgos semánticos comunes, cada gesto y cada material tiene puntos en común con los demás elementos y materiales. De esta manera, la conexión de cada material y el siguiente y la generación de nuevos materiales, estructuras y gestos viene dado por los elementos en común que tengan entre sí.
José Miguel Fayos

 

Saltz
Tomé mi microscopio y puse bajo él cosas que, de hecho, eran muy grandes. Durante años he estado trabajando con incrementos, con procesos de crecimiento o disminución, hasta que llegó el momento de someter esta estrategia dramática a examen. Saltz consiste en ciento veinticinco aumentos: ondas que se organizan sobre ondas, que son organizadas en ondas a su vez. Así que, gradualmente, todo se hace cada vez más rápido y suena más alto. El objetivo aquí es el de una doble refracción: el proceso manipulador de aumento es frenado, fragmentado y forzado hacia una rígida y predecible forma de organización. Pero la previsibilidad posee una energía de la que la sorpresa es incapaz. Tensión significa que uno sabe lo que va a suceder después.
El sonido está «sampleado» con un órgano Hammond de 32 pies (es decir, ciento noventa y dos notas por octava). Inicialmente solo interpreta una lenta secuencia de acordes, que de manera prácticamente imperceptible se va elevando. La intención aquí es relacionar entre sí todos los detalles, de una manera temática y concisa. El punto de partida es mi admiración por los músicos de Klangforum Wien (para los que ahora he tenido la suerte de escribir una quinta pieza): como no me gustaría defraudar a personas tan exigentes, he intentado introducir información en cada rincón de la pieza. Lo que sucede es que, constantemente, veo surgir el caos. Ciento veinticinco veces y la pieza amenaza con hundirse en el caos. Es su organización la que la induce a ello.
La sal es esencial para nuestras vidas. Pero en el mar, morimos de sed.

Enno Poppe

 

Alap y Gat
Alap y y Gat son los conceptos formales de la música clásica instrumental del norte de la India. Alap es una introducción lenta y sin pulso que progresivamente presenta las notas del raga. El raga es un concepto melódico complejo que incluye, entre otros, la noción de modo (de cinco a siete notas) y de patrón melódico. Gat es una sección rítmica y rápida que presenta una melodía, aunque dentro del mismo raga. Este tema es repetido de múltiples maneras, y articulado por un accelerando decidido.
He concebido mi pieza partiendo de estas ideas. El equivalente del raga aquí es una melodía larga, de más de ochenta notas sobre las que se basa el discurso melódico y armónico. La primera parte, Alap, explora lentamente las notas de la melodía, desde el registro grave, al alto. La segunda parte, Gat, es una música pulsada organizada en un largo accelerando. La pieza termina con una coda que vuelve a hacer aparecer el carácter del principio.
Esta pieza está dedicada a Lorraine Vaillancourt y a los músicos del Nouvel Ensemble Moderne.
José Evangelista

 

 

 

Lloc

Centre del Carme (Sala Refectori)
Lloc:
Centre del Carme (Sala Refectori)   -   Lloc web
Carrer:
Museu, 2
CP:
46003
Població:
València

Descripció

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